REFLEXIÓN

En estos primeros meses de la materia puedo destacar el conocimiento que he adquirido sobre los pintores y las obras mas relevantes, los diferentes movimientos y su consistencia, y las vanguardias. 

Hubo obras y movimientos que me gustaron mas que otros, como obra destaco "LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD" de Henri Matisse y como movimiento me gustaría destacar el HIPERREALISMO. 

A mi parecer, el blog fue una buena forma de aprender sobre cada movimiento ya que a la hora de armar cada entrada era necesario leer cientos de páginas al respecto y así conseguir la información que lo describa mejor. 

NEOEXPRESIONISMO

Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior. Es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, además de otros artistas con estilo altamente emotivo como James Ensor y Edvard Munch; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico: Durero, Bruegel, El Bosco, Rembrandt. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestro al gran artista alemán de los setenta, Joseph Beuys.
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
En Estados Unidos, específicamente en Nueva York, se difundió con gran éxito la obra de los neoexpresionistas alemanes, ejerciendo una gran influencia sobre los artistas neoyorquinos, los cuales retoman este estilo; sin embargo, en los Estados Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos muy diferentes unos de otros, creando una obra menos homogénea que la alemana.
Entre los artistas norteamericanos destacan Basquiat y Haring, que combinaban la agresividad con el humor y la ironía. Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados, formando manchas planas o, en el caso de Haring, líneas y contornos muy definidos.
Aunque fue un movimiento de corta duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.

Georg Baselitz 

Nacido en 1938 en Deutschlandbaselitz (Alemania del Este), Georg Kern, su apellido original, que luego cambiaría por el de Baselitz como homenaje al lugar de nacimiento, ha creado un repertorio de imágenes icónicas que reflejan el trauma de la Segunda Guerra Mundial a la vez que expresan un gesto de feroz individualidad y rebeldía contra el arte oficial de la Alemania comunista.
A finales de los cincuenta y tras su expulsión de la Escuela Superior de Bellas Artes de Berlín Este por "inmadurez social y política", Baselitz se trasladó a Berlín Occidental, donde sin dejarse contagiar por las nuevas corrientes artísticas como el pop art o el expresionismo abstracto, llegadas de América, siguió su propio camino.
Influida por el "teatro de la crueldad", del dramaturgo francés Antonin Artaud, la obra de Baselitz tiene puntos de contacto con el informalismo del francés Jean Fautrier a la vez que influencias de Chaim Soutine y de un artista por él especialmente admirado, el noruego Edvard Munch.
A diferencia de otros conocidos artistas de la posguerra alemana como Polke o Richter, Baselitz recusó la llamada cultura de masas y el modelo posnacional de producción cultural global para establecer su propio modelo, que tiene sus raíces inmediatas en el grupo expresionista "Die Brücke" pero que se remonta hasta a Grünewald.

Die Mädchen von Olmo II (1981)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 250 x 249 cm.
Localización: Centro Georges Pompidou. París
Autor: Georg Baselitz

fuente:
http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7915&Itemid=8
http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo
http://xuku-va.blogspot.com.ar/2011/06/georg-baselitz.html
http://epdlp.com/cuadro.php?id=1403

HIPERREALISMO

-Surge en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX.
- Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el Hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El Hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.
-El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.

-Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close, Malcolm Morley o Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.
-Como podemos ver la técnica utilizada es la cámara fotográfica como elemento para obtener lo que se va a representar sobre todo en la reproducción de retratos ya que el tiempo de exposición seña muy prolongado.
- Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia
- Y por ultimo con respecto a la escultura hiperrealista americana hay que destacar a Duane Hanson, que reproduce a tamaño natural personajes sacados de las clases trabajadoras, y a Segal que emplea la misma técnica que Hanson: vaciado de yeso de los modelos, relleno de los moldes con fibra de vidrio y poliéster, ensamblaje de las partes y pintado en color carne; la pieza se termina vistiéndola con ropas usadas. John de Andrea esculpe desnudos de un hiperrealismo tan acusado que parecen personas reales, al igual que Nancy Graves hace con sus esculturas de camellos.

DON EDDY: (nacido el 04 de noviembre 1944, Long Beach, California )

Don Eddy, pintor estadounidense, tiene como protagonista de sus pinturas a los automóviles. En ellas brillan los tonos metalizados y el más sofisticado toque urbano. Aquí nos presenta la gama de Escarabajos Volkswagen, todo un clásico, en fila. Infunden estos vehículos cierta complejidad: por un lado, cierto lujo de esos vibrantes colores, los reflejos al agua, la limpieza de sus carrocerías y por otro, la ordenación milimétrica de lo expuesto incorpora masificación, mercado, competencia. 

fuente:

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo

http://www.artelista.com/hiperrealismo.html

http://elrayoverde.blogia.com/2008/030601-don-eddy-1944-.php

POP ART

El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc. Este movimiento irónico de pintura,surge en 1960 en Norteamérica.

El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.

El Pop nace en dos ciudades: New York y Londres.

Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".

ANDY WARHOL

 Es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitad del siglo xx. Nació como Andrew Warhola en 1928. Ha habido durante bastante tiempo algo de confusión sobre dónde y cuándo nació, pero de acuerdo con sus dos hermanos mayores y de acta de nacimiento archivada en Pittsburg, parece que nació el 6 de agosto en esa ciudad americana. De lo que no hay duda es de la fecha de su fallecimiento: 6:31h de la mañana del 22 de febrero de 1987, domingo, en el New York Hospital después de una operación a la que babía sido sometido mediante un paro cardiopulmonar.

Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. Después de graduarse en el Carnegie Institute of Technology en 1949, se mudó a New York y rapidamente comenzó a ganar fama como artista comercial. El cambio de apellido de (Warhola a Warhol) se debió al siguiente error: la revista Glamour Magazine publicó un dibujo suyo titulado Success is a Jobz en agosto de 1949, pero por error su apellido apareció como Warhol, en lugar de Warhola. Desde entonces él decidió utilizar este nuevo apellido. Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor comercial más famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada en personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de grand formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de sopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce, es que, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholate fundido a la taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano.

A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale.

Warhol fue siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad para comprometerse.

fuente:

http://artpop.htmlplanet.com/biografa.htm

http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm

SURREALISMO

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización

Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

MAX ERNST:

Max Ernst nace en la pequeña ciudad alemana de Brühl, cerca de Colonia, hijo de Philipp Ernst, maestro de sordomudos y pintor vocacional. Tras finalizar sus estudios de bachillerato, en 1909 se traslada a Bonn, donde se matricula en la Facultad de Filosofía, estudia Historia del Arte, y se acerca a las obras realizadas por enfermos mentales, evitando cuidadosamente "toda clase de estudios que puedan degenerar en un modo de ganarse el pan de cada día". De esta época datan sus primeras obras, cuya filiación expresionista revela la huella de su amistad con August Macke, miembro de El Jinete Azul. La famosa exposición del Sonderbund de 1912, que se celebra en Colonia, y donde Emst tiene la ocasión de conocer directamente obras de Cézanne,Van Gogh, Gauguin, Munch y Picasso, va a ser el catalizador de su decisión de dedicarse a la pintura. 

PAISAJE CON SOL:

Paisaje con sol, 1909.
Una de las primera obras conocidas del pintor, en donde la pincelada, cargada de materia, y el colorido violento, delatan la fascinación que el joven Ernst siente por Van Gogh. 

fuente:

http://www.arteespana.com/surrealismo.htm

http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/ernst/ernst.html

DADAÍSMO

Movimiento de rebelión que entre 1915 y 1922 se manifiesta como un revulsivo frente a la demencia general de la humanidad enfrascada en la Primera Guerra Mundial. Dada significa caballito de juguete. Estos pintores reclaman la intuición irracional y la libertad creativa del artista. El arte se confunde con la vida y la vida se ha de convertir en constante manifestación artística. Las características comunes de estos pintores viene a ser la rebeldía, su capacidad de negación y la irracionalidad. Son inconformistas y subversivos. El más destacados de estos pintores es Marcel Duchamp. 
Movimiento artístico fundado en Zurich en 1915. Violentamente opuesto a la tradición, al arte y a la sociedad establecida. Pretendía escandalizar a la opinión pública acentuando lo absurdo.

Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.
Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
Motivaciones de disociación.
Auge del disparate.
Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico.
Eliminación de la composición clásica.
Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.

MARCEL DUCHAMP:

Marcel duchamp nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y del pintor Jacques Villon. Marcel duchamp se inició en pintura en 1908. Tras realizar algunas obras fauvistas, Marcel duchamp se dedica a experimentar y realiza su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera (1912, Museo de Arte de Filadelfia), en la que se ve el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas. La pintura de Marcel duchamp causó furor en el Armory Show que tuvo lugar en Nueva York en 1913. Después de 1915 Marcel duchamp pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923, Museo de Arte de Filadelfia), conocida también como El gran espejo. En escultura fue pionero en el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un porta botellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. A partir de 1936, Marcel Duchamp fabrica una especie de «museo portátil», una caja-maleta con la reproducción en miniatura de lo que él mismo consideraba lo más relevante de su obra. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido; tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético. Marcel duchamp falleció el 2 de octubre 

de 1968.

LA FUENTE: 

“Fuente”, de 1917, es una de sus piezas más reconocidas, un urinal, o mingitorio, que es reintepretado al estar colocado dentro de un ambiente artístico. El título de la obra, su colcoación y la firma con el pseudónimo R. Mutt, obedecen a una de las pocas reglas existentes en el movimiento: alterar levemente el objeto encontrado. Según las palabras de André Breton, el ready made está compuesto por “objetos manufacturados, elevados a la dignidad de obras de arte, mediante la elección del artista”

fuente:

http://miligirard.blogspot.com.ar/2010/05/el-dadaismo.html

http://www.wastedtalent.com.ar/?tag=marcel-duchamp

OP ART

Es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

El Op-Art se caracteriza por varios aspectos:

• La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.
• Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.
• Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
• En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
• Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
• El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.
• Algunos teóricos han interpretado el nacimiento del Op Art como una reacción contra el expresionismo abstracto, el estilo dominante en la pintura estadounidense desde la década de los 50. El nuevo estilo era ligero y desenfadado, y se desmarcaba de solemnidad espiritual de un Mark Rothko o unPollock. Como pionero de esta frivolización del arte, el Op Art también preludiaría la llegada del "arte de broma": el Pop.

Víctor Vasarely

Vásárhelyi Győző, mayormente conocido como Víctor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.
Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op  art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos.
En 1976 crea un centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence y dos museos "didácticos" Vasarely, en Gordes adonde fue llevado por Jean Deyrolle (1970) y en Hungría en Pécs (1976). Murió a los 91 años.
El museo Vasarely en Hungría contiene una importante colección de sus obras, así como de otros muchos artistas de origen húngaro que han trabajado en el extranjero. Es el padre del artista Yvaral, autor de obras de ese mismo estilo. 

 

fuente:

http://my.opera.com/arte_optico/archive/monthly/?day=20071120

http://es.wikipedia.org/wiki/V%C3%ADctor_Vasarely