ARTE ABSTRACTO

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. 
Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el Romanticismo, el impresionismo y el expresionismo.  A lo largo del siglo XIX se consiguió la independencia de los artistas. El mecenazgo de la iglesia disminuyó y el privado del público fue más capaz de proporcionar una forma de vida para los artistas.
 En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática. Es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales.

Wassily Kandinski

Nació en Moscú en 1866, en 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudiaba Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.

En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pinta temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París.

En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias parciales. 

COMPOSICIÓN VII 

Wassily Kandinsky se preparó durante meses desarrollando diversas ideas pictóricas en dibujos, grabados, acuarelas y óleos. Con las ideas más o menos claras, encargó un bastidor de 2 x 3 metros y entre el 26 y el 29 de noviembre de 1913, en poco menos de cuatro días obró el milagro. Realizó una pintura a la que tituló “Composición VII”, la séptima de sus únicas diez composiciones. Prueba del procedimiento conceptual del pintor es que a lo largo de los cuatro días, hizo que su compañera Gabriele Münter tomara fotografías para documentar cada paso de la composición.Kandinsky quiso conservar el proceso creativo de una pintura tan premeditada e importante para él, e ilustrar la obra a la luz de la teoría y del público. Pensaba en la posteridad.
Las fotografías muestran como quedan ocupados en primer lugar, el margen inferior izquierdo y el centro de “Composición VII”. Las partes restantes del cuadro están dispuestas con trazos oscuros o bases planas de color blanco. Parece ser que el punto de partida del pintor fue la estructura gráfica de fondo.

 

fuente:

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto

http://lapinturaytu.blogspot.com.ar/2011/04/arte-abstracto-abstraccion.html

http://mundoarte.portalmundos.com/composicion-vii-wassily-kandinsky/

http://es.wikipedia.org/wiki/Wassily_Kandinski

FUTURISMO

El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, con el arte tradicional (el llamado Pasadismo), es tan así que se llegó a considerar que los museos, eran sitios equivalentes a los cementerios, lugar donde la tradición artística común, lo impregnaba todo. Además se les llama así porque mira a través de loselementos modernos como las maquinas, al futuro ya que estos buscan reconstruir al mundo, empezar de nuevo. 
Rechazó la estética tradicional, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina junto con lo moderno (y sus virtudes, la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento) y el dinamismo, lo que lleva a mostrar la velocidad y el movimiento. Cada una de las artes futuristas va a representar estos dos temas de diferente forma. 
Se destaca por sus ideas revolucionarias, que no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros movimientos de la época, pretendían transformar la vida entera del hombre y reconstruirla, junto con el mundo entero. 
Por lo que recurrieron a cualquier medio expresivo como las artes plásticas, la arquitectura, el urbanismo, la publicidad, el cine, la música, la poesía, etc., éstas eran capaces de crear un verdadero arte de acción. 
El futurismo elogio la violencia, el nacionalismo revolucionario y la guerra, provocando en caso de algunos de sus integrantes (Marinetti, Papini, Soffici, etc.) la adhesión al fascismo. Justifica su apoyo a la guerra, como la formula para sanar y cambiar a nuestro mundo caótico. 
Entre otras cosas, la estética futurista transmite una ética, de raíz fundamentalmente machista y misógina. 
El hecho es que el futurismo fue un paso más en la marcha del arte contemporáneo y fue la primera de las vanguardias artísticas y su valor como movimiento rupturista dio paso a las demás corrientes que refrescaron el panorama artístico en los principios del siglo XX. 

Gino Severini:

Gino Severini (1883 –1966), fue un pintor italiano nacido en Cortona, Considerado como uno de los fundadores del futurismo. Sus pinturas, influenciadas por la fragmentación de la técnica cubista, representan la acción o el movimiento como una turbulenta composición de líneas y formas quebradas. Supo unir ciencia y arte, rigor constructivo y fantasía inventiva, consiguiendo la más completa felicidad expresiva cuando, entre los años 1910 y 1915, conectó los valores dinámicos del futurismo con los constructivos del cubismo.

En 1899 se trasladó con su madre a Roma, donde comenzó su formación artística en una escuela de dibujo conocida como Gli Incurabili.

Fue Giacomo Balla, en Roma, quien le introdujo en la pintura divisionista, tendencia que continuó en París a partir de 1906. Allí tuvo contacto con los principales pintores cubistas: Pablo Picasso, Georges Braque, Federico Cantú, Lino Enea Spilimbergo y Juan Gris, participando en el desarrollo de ese movimiento, llegando a teorizar incluso sobre él en su obra Del cubismo al clasicismo, de 1921.

Trabajó también al fresco y realizó mosaicos, Al trabajar fundamentalmente en París, Severini contribuyó a extender el futurismo fuera de Italia.

En 1910 recibió una carta de Boccioni invitándole a firmar el Manifiesto futurista y, como consecuencia, tomó un nuevo camino en un intento de explorar pictóricamente el dinamismo y la velocidad. Esta evolución le llevó a un arte cada vez menos figurativo, en el que predominaba el interés por la investigación de los efectos de la luz entendida como energía. Poco después firmó el Segundo manifiesto futurista y participó en las exposiciones colectivas del grupo. En 1912 organizó la primera Muestra de los Futuristas y en 1914 escribió su propio manifiesto, Les Analogies plastiques dans le dynamisme, que sin embargo se publicaría mucho tiempo después.

Con el comienzo de la Primera Guerra Mundial sus obras se volvieron paulatinamente más sólidas y volumétricas. Durante los años siguientes realizó pinturas murales, tanto en Italia como en Francia, y mosaicos, entre los que destacan sus colaboraciones en las obras monumentales que Benito Mussolini mandó erigir durante la década de 1930. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial volvió a París, donde adoptó de nuevo un estilo neocubista.

Entre los años 1924 y 1934, tras una crisis religiosa, se dedicó a la pintura sacra, realizando numerosas obras para iglesias, sobre todo suizas.

Su obra es una visión caleidoscópica en la que se funde presente y pasado, espacio y tiempo, consiguiendo así una fiesta de luces y colores

Tren suburbano: (1915)

La composición dinámica y las pinceladas expresivas caracterizan la pintura futurista, como muestra este Tren suburbano de Gino Severini. Las formas geométricas y la ausencia de perspectiva clásica reflejan la influencia cubista.

fuente:
http://www.taringa.net/posts/arte/3013086/Futurismo-Vanguardia.html
http://www.odisea2008.com/2011/12/gino-severini-pintor-futurista.html
http://www.galartes.com/pintura/futu4.htm

CUBISMO

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.

George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino. 
 El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma.
  Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador no se puede quedar contemplando sin más la obra, sino que debe reconstruirla en su mente para poder comprenderla. La pintura es algo mental, el espectador interpreta la realidad según las pautas que da la obra y se convierte en artista, en creador. La nueva estética se desliga completamente de la interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figuraen sus partes mínimas, y pintadas de forma geométrica. Esta descomposición no es casual, sino que está muy estudiada y calculada, para permitir la recomposición mental de la figura.

 En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.
     El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictóricopara sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el cuadro cubista.


Pablo Ruiz Picasso 
(Pablo Ruiz Picasso, Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Artista español. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats.
Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo.

Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo.

A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica. En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.

El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

LAS SEÑORITAS DE AVIGÑON:

Las señoritas de Avignon, Las señoritas de Aviñón o de Avinyó es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. 

fuente:
http://www.pastranec.net/arte/sigloxx/cubismo.htm
http://www.arteespana.com/cubismo.htm
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/picasso.htm
http://historiadelarteuniversaltec.blogspot.com.ar/2009/11/pablo-picasso-cubismo.html

FOVISMO- FAUVISMO

El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (aprox. 1905-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color.

 El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.

En 1904 Henri Matisse considerado padre del fovismo, pintó Lujo, calma y voluptuosidad, considerada como la obra síntesis del postimpresionismo que fue fruto de un ejercicio de búsqueda personal y se convirtió virtualmente en un manifiesto de lo que sería el fauvismo poco después. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleados por Matisse sorprendieron a todos cuando fue expuesto por primera vez

• El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.

• Este planteamiento, conocido como modelo RYB, clasifica los colores en:
  • Colores Primarios: rojo, amarillo, azul
  • Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
  • Complementarios: se entiende por color complementario de otro, el color que se sitúa en la parte opuesta: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.

• En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad.

• Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento, algo que anteriormente intentaron los pintores Nabis. Esto hace que percibieran la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos.

• El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo Matisse no se olvidó de su importancia. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas.

• Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.

• Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintarón el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.

HENRI MATISSE:

Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX, considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno.

LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD:

 Esta obra es un buen ejemplo para observar todavía la presencia de la técnica puntillista, característica del movimiento neoimpresionista. Ya que esta obra pertenece a los primeros momentos de este nuevo movimiento. Pero sin duda lo que más nos llama la atención es la presencia del color. Nos encontramos con una composición donde presominan las líneas horizontales y verticales (en algunos casos se cruzan). Es una obra que está perfectamente estructurada (en este sentido siguen siendo todavía muy clásicos). Por otra parte no nos podemos olvidar que se trata de una obra bastante decorativa (recordar las características comentadas anteriormente).  

fuente:

http://es.wikipedia.org/wiki/Fovismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Matisse

http://artechachi.blogspot.com.ar/2010/03/sobre-el-fauvismo.html

EXPRESIONISMO

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. 

como es la pintura:

La angustia existencial es el principal motor de su estética.

La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior.

Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva. 

Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos. Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes. 

Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.

Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro

Munch, Edvard (1863-1944) 
Pintor y grabador noruego. Perteneció al grupo "Bohemios de Christianía", que dirigía el escritor y poeta anarquista Hans Jáger. 
Después de un rápido viaje a París, en 1890 se instaló en Berlín, donde residió tres años y trabó amistad con Strindberg. Su gran afinidad con el dramaturgo Henrik Ibsen le llevó a diseñar los decorados para Hedda Gabler. 
En sus inicios siguió el estilo de los impresionistas franceses y, a partir de 1890, el impacto que le produjo la obra de V. van Gogh, P. Gauguin, G. Seurat y H. de Toulouse-Lautrec marcó un cambio en su obra: introdujo temas de tipo sexual, psicológico o social, tratados con gran intensidad dramática, que subraya el rechazo del artista hacia la moral convencional de la burguesía.
El pintor quedó profundamente afectado por la muerte de su madre y de dos de sus hermanas cuando aún era muy joven, lo que determinó que la angustia, la muerte y la enfermedad fueran temas recurrentes en su obra. 
El individuo como víctima de la pasión y la carga malévola de la naturaleza dominan la producción de los primeros años: paisajes delirantes en composiciones visionarias que no buscan ser símbolos de la realidad, sino expresar por sí mismos la realidad interior del artista. 
En 1892 una exposición de su obra en Berlín provocó una gran controversia: la violencia de las emociones plasmadas en pintura de Munch resultó chocante para muchos espectadores y la exposición fue censurada a los pocos días. Con todo, su estilo expresionista pronto fue aceptado en Europa.
El grito (1893) -obra en la que se combinan los contornos lineales sinuosos del estilo modernista con el tratamiento en forma de manchas violentamente expresivas pronto se convirtió en uno de los cuadros más emblemáticos de la expresión de la angustia en el mundo moderno.
En 1908, después una depresión nerviosa, regresó definítivamente a Noruega. A partir de este momento su pintura se hizo más vital y positiva: numerosos paisajes de brillante coloridos pintados con trazo enérgico, que continuará realizando hasta su muerte.

El grito:

El cuadro fue expuesto por primera vez en 1893, formando parte de un conjunto de 6 piezas titulado "Amor". Su idea era la de representar las distintas fases de un idilio, desde el enamoramiento inicial hasta la ruptura dramática. El Grito representaba dentro de esta serie, la última etapa, la etapa más traumática. La obra no fue muy bien acogida por la crítica de la época y fue clasificada como arte demente, tanto es así, que incluso un crítico del momento, aconsejó a las mujeres embarazadas que no visitaran la obra. La reacción del público fue discrepante en torno a la obra, y gracias a esto curiosamente, el cuadro comenzó a hacerse famosos al aparecer en reportajes de la época.

Todas las versiones realizadas por el artista, muestran en primer plano la imagen de una figura andrógina, dejando una libre de  interpretación al ojo que lo ve,y que nos deja ver a una persona en un momento de angustia profunda y desesperación existencial. La figura principal, como podemos observar, se encuentra en un sendero vallado, y en un momento dado da la sensación de perderse fuera de la escena. Está gritando, sujetándose la cabeza que parece ser cadavérica, en un gesto de desesperación incontrolable, de un dolor desgarrador que intenta salir del cuerpo, de locura mortal...El paisaje que se observa como telón de fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg.

fuente:

http://www.arteespana.com/expresionismo.htm

http://www.lavozdegalicia.es/hemeroteca/2005/10/03/100000077911.shtml

http://cubamason.foroactivo.net/t2201-edvard-munch

http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.ar/2012/03/el-grito-de-edvard-munch.html

POSTIMPRESIONISMO

El postimpresionismo agrupa diversas tendencias pictóricas que surgieron en Francia entorno a 1880-1905 como reacción al impresionismo.
Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Las características principales del Postimpresionismo son:

• Se concibe el arte como una actividad específica con reglas y realidad propia, distinto al entendimiento del arte como reproducción ilusoria de la realidad.
• Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
• Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
• Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne).
• Se elimina la perspectiva en profundidad, se descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos; se crea la teoría científica de los colores denominada cromoluminarismo.
• Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
• Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
• Utilización de colores puros con gran carga emotiva (Van Gogh) y modulados (Gauguin).
• Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (Van Gogh).
• Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
• Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).

Paul Gauguin:

(París, 1848 - Atuona, Polinesia francesa, 1903) Pintor y escultor francés. Hijo de un periodista y con sangre peruana por parte de madre, tras el golpe de Estado de Napoleón III (1851), huyó con sus padres a Lima. Cuando no era todavía más que un adolescente, Paul Gauguin se hizo a la mar; en 1871 regresó a París y entró a trabajar en una empresa financiera de la capital.

En esta época Paul Gauguin empezó a desarrollar un fuerte interés por el arte que le condujo a tomar clases de pintura y a reunir una impresionante colección de obras impresionistas que comprendía trabajos de Manet, Cézanne, Monet y Pissarro. En 1875 trabó conocimiento personal con este último y empezó a trabajar con él; resultado de tan fecunda colaboración fue la invitación a participar en la quinta Exhibición Impresionista de 1880, que sería reiterada en los dos años siguientes.

En 1883, su creciente interés por la pintura se unió al desplome de la Bolsa parisina para conducirle a tomar la decisión de dedicarse íntegramente a la actividad artística. Al año siguiente se trasladó a Copenhague, residencia familiar del padre de su esposa, en busca de apoyo económico, pero su empeño fracasó rotundamente y poco después abandonaría a esposa e hijos.

A partir de ese momento Gauguin vivió en la penuria, rechazado por una sociedad que con anterioridad le había abierto los brazos y que en breve iba a aborrecer. Entre 1886 y 1888 su obra experimentó un giro radical, cuyo origen cabe buscar en dos experiencias vitales de gran importancia: su encuentro con Van Gogh y su primer viaje a la Martinica.

Dicho estilo, con su rechazo frontal al uso de trucos formales para recrear la percepción visual, significó una ruptura absoluta, desde el punto de vista conceptual, con el impresionismo que otrora había abrazado, razón por la cual es categorizado por la moderna historiografía del arte como postimpresionista (junto con Van Gogh y Cézanne). Entre 1891 y 1903 Paul Gauguin efectuó largas estancias en Tahití y las islas Marquesas, donde su primitivismo fue atemperándose al abrirse a la influencia de neoclásicos como Ingres o contemporáneos como el nabi Puvis de Chavannes. Este proceso corrió de la mano de un creciente refinamiento tonal y de la presencia en su producción de una aura onírico-poética que en modo alguno parece reflejar la enfermedad y los conflictos personales –particularmente sus enfrentamientos con las autoridades locales en defensa de las comunidades indígenas– que marcaron los últimos años de su vida.

MUJERES DE TAHITÍ:

Mujeres de Tahití (En la playa), es un cuadro del pintor francés Paul Gauguin. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 69 cm de alto y 91,5 cm de ancho. Fue pintado en 1891. Se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia. También es conocido como Tahitianas en la playa.

Este cuadro fue realizado por Gauguin durante su primera estancia en la isla de Tahití. Allí descubrió un tipo femenino distinto al de las mujeres europeas, que reflejó en numerosos cuadros, como este en el que unas mujeres tahitianas se encuentran en la playa.

Una de las mujeres, la que queda a la izquierda del cuadro, viste a la manera tradicional, con ornamentación esquemática y plana que recuerda las estampas japonesas. Sin embargo, la de la derecha viste un vestido rosa típico de las misioneras. En una versión posterior del mismo tema sustituyó este vestido por un pareo.

Está pintado con la técnica conocida como «cloisonismo»: encierra con trazos negros o azul de Prusia los colores planos. Destaca la monumentalidad del cuerpo humano, así como la perspectiva, forzada, que deforma los cuerpos.

fuente:

http://es.wikipedia.org/wiki/Mujeres_de_Tahit%C3%AD

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gauguin.htm

http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/post_impresionismo.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Posimpresionismo

REALISMO

Este movimiento artístico surge después de la revolución francesa de 1848. 
Su principal tema es la denuncia de problemas sociales y económicos, como por ejemplo: el trabajo infantil, condiciones de vida insalubres, etcétera.
en las pinturas se representa al hombre en sus diferentes tareas y la fatiga que su explotación laboral produce. 
Grandes artistas:  Corot, Courbet, Millet , Rousseau

CAMILLE COROT: 

Nacimiento	16 de julio de 1796  Francia, París
Fallecimiento	22 de febrero de 1875, 78 años
Nacionalidad	francés
Área	Pintor
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  Jean-Baptiste Camille Corot nació en París, en una casa desde la que se tenía una perspectiva del palacio de las Tullerías, el Sena y El Louvre. De familia acaudalada, Corot recibió una educación burguesa y realizó sus estudios secundarios en la ciudad gótica y normanda de Ruan, entre 1807 y1812, tales estudios le marcaron definitivamente. Allí vivía con un amigo llamado Sennegon, lector de Jean-Jacques Rousseau y próximo a las ideasilustradas, de quien adquirió el gusto por la naturaleza. Continuó su formación en Poissy y al concluirla, manifiesta su deseo de ser pintor, pero su padre se opuso a ello y lo empleó como aprendiz en el negocio familiar. Camille, sin embargo, dedicó casi toda su jornada laboral a dibujar, por lo que la familia terminó por aceptar su vocación y financió su formación artística. 
Camile Corot fue un artista tardío, ya que aunque le hubiera gustado dedicarse a la pintura desde temprana edad, por diversas circunstancias no pudo consagrarse a ella hasta 1822, cuando contaba con veintiséis años de edad. Estudia con el paisajista Michallon, quien según Corot le dio como consejo “representar con el mayor escrúpulo posible todo lo que tuviese ante los ojos”. Tras pasar una larga temporada en Roma, en 1828 regresa a París, donde en ese tiempo habían surgido grupos de pintores que huyen de los paisajes históricos y convencionales y desdeñan los vastos escenarios italianos (de Poussin y Lorrain) y prefieren los paisajes franceses, con sus landas y sus bosques, más en sintonía con los paisajistas ingleses y holandeses. Además quieren que los espectadores sientan las emociones que ellos tuvieron cuando contemplaron ese aspecto de la naturaleza. Corot, no tiene nada que ver con ellos, permaneciendo fiel a las lecciones de su maestro, representando la naturaleza escrupulosamente, ya que su naturaleza difería de estos pintores melancólicos que buscaban la soledad de landas y bosques salvajes. Fue el mayor paisajista del siglo XIX, cuya importancia radica en haber pintado del natural al aire libre, constituyéndose así en pionero del realismo en el paisaje y en uno de los maestros fundadores del arte moderno. Algunos de los artistas que mejor comprendieron a Corot fueron Monet, Pisarro o Sisley, sobre todo en sus comienzos, ya que más tarde se liberarían de su influencia.
El método pictórico de Corot fue completamente diferente del de sus contemporáneos que, comenzaba por establecer en una tela fina ligeramente coloreada el efecto luminoso que le ofrecía el motivo que quería representar, por medio de una grisalla, para lo que usaba los colores tierra, ocre, negro y blanco. Era muy importante para él, precisar de una vez la sombra más fuerte y la luz más intensa, ya que luego recubría esta grisalla de tonos coloreados buscando los valores justos y la armonía de los colores. A esta forma, corriente en ese momento, añadía una peculiaridad personal, ya que aunque desde el Renacimiento, estaba admitido que, para representar las sombras no había que emplear tonos que contuviesen el blanco, por lo que era necesario aplicar voladuras transparentes, Corot usó el blanco en casi todos los tonos con el fin de conseguir cierta opacidad y al mismo tiempo dos registros, uno transparente y el otro, opaco.

La Catedral de Chartres de Corot
Es una obra del pintor realista francés Corot, ejecutada alrededor de 1830, perteneciente al género del paisaje.
En esta obra, el tema específico de la catedral gótica pudo sugerírselo Contable, cuya pintura era famosa en París a raíz de su exposición en 1824, además de tener en cuenta la revalorización del gótico propia del romanticismo. Corot, además de ésta, pinta las catedrales de Sens, Soissons y Rouen. El edificio ya no está encuadrado en perspectiva, como en los paisajes clásicos, ni absorbido por lo “pintoresco” de la paisajística campesina, como en Constable. Hay un primer plano árido y vacío (ya que las dos figuras que aparecen, las añadió más tarde), con una construcción de sillería y un montículo con un poco de hierba y dos arbolitos. Puede extrañarnos el montículo de tierra que limita la visual y no tiene nada de pintoresco, pero esa tierra revaloriza el corte nítido de los planos del edificio y, la luz, concentrada en los bloques a escuadra, pone en relación con el cielo la volumetría luminosa de la Catedral. Los dos arbolitos oscuros sobre el cielo claro son el contrapunto a las audacias de las luminosas agujas del fondo. Las zonas de sombra tienen su propia calidad tonal, al igual que los planos de luz. 

fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Camille_Corot
http://arte.laguia2000.com/pintura/la-catedral-de-chartres-de-corot